Gian Pedretti - Lumière​

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Der Künstler wuchs in einer Familie auf, in der Kunst zum Alltag gehörte. Der Vater war Maler, und für Gian

war das Atelier schon von Kindesbeinen an ein vertrauter Ort. Auch verband ihn mit seinem Bruder Giuliano eine lebenslange künstlerische Partnerschaft. Beide arbeiteten zunächst als Plastiker, doch in den 1960er Jahren entfernte sich Gian zunehmend von der Plastik und wandte sich entschlossen der Malerei zu. Im Zentrum seines Denkens und Schaffens blieb stets das Engadin, als gelebte Landschaft, als Sehnsuchtsort und als schwindende Heimat. Urbanisierung der Landschaft und die Verdrängung

des Verwurzelten und Einmaligen, Lärchenbäume und Menschen inbegriffen, beschäftigten ihn tief, so Othmar F. Arnold 2003 im Gespräch mit Pedretti.

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«Grossformatige, ungerahmte Landschaften und Porträts, in Dispersion auf Papier und auf Leinwand aufgezogen», so der Kunsthistoriker Andreas Maier 2018, «bestimmen während zwanzig Jahren sein gemaltes Werk.» Pedretti begegnet sowohl dem Sehen als auch dem Abstrahieren des Gesehenen mit derselben Ernsthaftigkeit. Seine Abstraktion der Landschaften bedient sich aber nicht der Geraden, geometrischen, sondern der vielfältigen Kurvatur. Mal sanft und weitgezogen, mal verdichtet und ineinanderverkeilt. Ein wiederkehrendes Motiv ist der Piz Üertsch, nicht als Symbol, sondern für sich selbst stehend. Immer wieder bildet er ihn ab, ein Zyklus von Bergbildern, die zusammengehören, aufeinander

verweisen, die alle vom selben reden. Erdfarbene, graublaue und metallische Töne dominieren die wechselnden Formen des Berges. Ab 1996 begann eine langjährige Schaffensphase, in der Pedretti ausschliesslich mit Schwarz und Weiss arbeitete. Durch die gesamte Grauskala erforschte er die Spannung zwischen Harmonie und Disharmonie, Accord und Dissonanz – «das alte Konzert», wie er es nannte. Ausgehend von den topografischen Landschaften der achtziger Jahre führte ihn dieser Weg konsequent in die Abstraktion. Diese späteren Arbeiten fasste er unter dem Titel Lumière (Licht) zusammen. Die Farbe tritt nun völlig zurück, Pedretti vertraut allein den schwarzen Linien auf weissem Grund. Licht und Schatten

nehmen seine Leinwände ein. 

 

Über das gesamte Oeuvre hinweg zeigt sich eine kontinuierliche, behutsame Entwicklung. Kein Stilwechsel erfolgt abrupt; vielmehr gewährt sich der Künstler die Zeit, jede Phase reifen zu lassen, bis sie organisch in die nächste übergeht. So entsteht ein Werk, das von beständiger Reflexion, innerer Ruhe und unerschütterlicher Klarheit getragen ist. Ein Werk, in dem die Malerei tatsächlich selbstverständlich scheint.

 

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The artist grew up in a family where art was part of everyday life. His father was a painter, and the studio became a familiar place for Gian from an early age. He also enjoyed a lifelong artistic partnership with his brother Giuliano. Both initially worked as sculptors, but in the 1960s, Gian increasingly moved away from sculpture and turned his attention to painting. The Engadine remained at the centre of his thinking and work, as a lived landscape, a place of longing and a disappearing homeland. The urbanisation of the landscape and the displacement of the deeply rooted and unique, including larch trees and people, preoccupied him deeply, according to Othmar F. Arnold in conversation with Pedretti in 2023.

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‘Large-format, unframed landscapes and portraits, applied in dispersion on paper and stretched on canvas, have defined his painted work for twenty years,’ wrote Andreas Maier in 2018. He approaches both seeing and abstracting what he sees with the same seriousness. However, his abstraction of landscapes does not employ straight, geometric lines, but rather diverse curves. Sometimes gentle and sweeping, sometimes condensed and interlocked. A recurring motif is that of Piz Üertsch, not as a symbol, but standing for itself. He depicts it again and again, a cycle of mountain images that belong together, refer to each other, all speaking of the same thing. Earthy colours, grey-blue and metallic tones dominate the changing forms of the mountain. In 1996, Pedretti began a long creative phase in which he worked exclusively in black and white.

Using the complete grey scale, he explored the tension between harmony and disharmony, accord and dissonance — ‘the old concert’, as he called it. Starting from the topographical landscapes of the 1980s, his work moved steadily into abstraction. He summarised these later works under the title Lumière (Light). Colour now

recedes completely, with Pedretti relying solely on black lines on a white background. Light and shadow fill his canvases.

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A continuous, cautious development can be seen throughout his entire oeuvre. No abrupt change of style takes place; rather, the artist allows each phase to mature until it transitions organically into the next. The result is a body of work characterised by constant reflection, inner calm, and unwavering clarity. A body of work

in which painting really does feel entirely natural.

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Selma Lauren Schaffner​